Kritiken

Sowohl von Comet Gain als auch den Crystal Stilts hatte man seit ihren letzten Alben in den Jahren 2008 bzw. 2009 kaum Neuigkeiten, geschweige denn neue Musik vernommen, bis im August diesen Jahres plötzlich eine Single das gemeinsame Projekt mit dem Namen Cinema Red and Blue ankündigte. Und wie so oft, wenn sich recht erfolgreiche Musiker in neuen Konstellationen zusammenfinden, dauerte es auch in diesem Fall nicht lang bis in ihnen eine neue Supergroup gefunden wurde; die Erwartungen hoch und die Gefahr, dass diese nicht erfüllt werden ungleich größer. Dabei handelt es sich bei Cinema Red and Blue eigentlich nur um das vorübergehende Projekt zweier befreundeter Bands, die im August 2009 in New York innerhalb einer Woche ein paar eigene Songs und Cover aufgenommen hatten.

Mit Erwartungen ist das immer so eine Sache: Entweder sind sie zu hoch oder zu niedrig. Während letzteres jedoch keinerlei negative Auswirkungen auf die persönlichen Empfindungen hat, ist erstere Variante nicht ganz so ungefährlich für das eigene Gemüt: Ist nämlich ein Produkt – sagen wir: ein neues Album einer bereits etablierten Band – nicht so toll wie erhofft, neigt der durchschnittliche Konsument dazu, es noch schlechter zu sehen als es eigentlich ist. Was das alles mit Jimmy Eat World zu tun hat? Viel.

Genug gehört vom leidenden Künstler, dessen Musik lediglich schnödes Ventil ist, um seine mehr oder weniger schweren Schicksalschläge zu verarbeiten. Genug gehört der tausend tragischen Geschichten, die eigentlich nur dazu dienen sollen, die Verkaufszahlen eines Albums durch das gewisse Mehr an Authentizität in die Höhe zu schrauben. Nun, angesichts dieses wirklich tollen Albums könnte es […]

„Digital ist besser“ schien einst durchaus schlüssig als Zukunftskonzept, die Präzision von Mathematik, die unverfälscht reproduzierbare Klarheit und das fast grenzenlose Potential in Bits kodierter Klänge wirkten alten analogen Aufnahme- und Produktionstechniken so selbstverständlich überlegen, dass deren Aussterben nur noch eine Frage der Zeit sein konnte. Doch mit der Zeit wurde nicht nur deutlich, dass mehr technische Möglichkeiten allein noch nicht zu künstlerischer Innovation führen, es dafür wie eh und je des nötigen kreativen Geistes und handwerklichen Geschicks bedarf.

Seit jeher ist das Transzendente, das Metaphysische Teil unserer realen Welt. Als Frage nach dem „Woher“ , „Wohin“ oder „Warum“ ist es weit über die Konstrukte einer wie auch immer gearteten Religion unzertrennbar mit dem Bewusstsein des Menschen verankert. Und das ist ein weltweites Phänomen, was allerdings im Umkehrschluss weiterhin keine Bestätigung für eine wirklich existente kosmische Verbindung aller Lebewesen darstellt, die einige Verfechter des Esoterischen gerne heraufbeschwören, während sie eine CD einlegen, die entweder mit einlullender Entspannungsmusik oder tribal-artiger Percussion aufwartet. Beide Wege nutzen die Gleichförmigkeit, die immerwährende Wiederholung, um einen Zustand des Entrückten und Ekstatischen zu erreichen, der einen Einblick ins Unbegreifliche ermöglicht. Glasser nimmt diese Elemente auf und münzt sie zu einem luftigen Indiepop-Album.

Da haben sich zwei gefunden: Das Debütalbum von The Hundred In The Hands interpretiert metropole Klaustrophobie, konfuse Tage und überdehnte Nächte in glänzend melancholischen Dancepop.

Gegensätzlichkeiten, Spannungsfelder, schon seit Urzeiten das Geheimnis zumindest vieler guter Musik. An Blonde Redhead beispielsweise ließ sich diese These stets auf eine ziemlich einfache Formel herunterbrechen. Da waren zum einen die lauten und kantigen Noise-Elemente der Sonic-Youth-Schule und zum anderen der süßliche, fast schon kitschige Gesang Kazu Makinos, die hier gegeneinander antraten und das Hören von Blonde Redheads Platten schon immer zu einem ganz besonderen Vergnügen machten.

Maps & Atlases aus Chicago gelten im Folk- und Indie-Bereich als einer der vielversprechendsten Newcomer aus den USA. Zwar nicht als Anwärter auf reißenden Absatz an den Plattentheken, dafür betrachten sie Kritiker in künstlerischer Instanz als eine der aktuell wenigen Bands, die sperrige Entwürfe und künstlerischen Spieltrieb in originelle Songs von drei Minuten packen kann. Ohne Quetschen, ohne Spannen. Dabei handelt es sich um eine momentan eher rare Gabe. Die einen werfen die Kleinkunst zu Gunsten des Hits über Bord und produzieren stromlinienförmige Popsongs, während sie einzelne Stücke in Überlänge mit Gefrickel überladen. Andere lassen nichts aus und spielen an jedem Schalter, der sich finden lässt, bis sich auch der letzte Hörer in einen Teil des Sound-Labyrinths verrannt hat, aus dem so schnell kein Ausweg bereitgestellt wird.