Kritiken

Ein Blick in die Ramschläden der Nation offenbart viel über eine Ästhetik, die längst wie ein Generalbass nicht nur das Prekariat, sondern einen Großteil des privaten Lebens der Deutschen untermalt. Grell muss es sein, etwas kitschig und auf eine schreckliche Weise so gewöhnlich, dass man sich beispielsweise im dänischen Nachbarland wie auf einem anderen Planeten wähnt. Während dort sogar eigene Gratismagazine die architektonische und visuelle Zeitgemäßheit thematisieren, glühen im hiesigen KingBillig besonders die güldenen Accessoires an der Ladenkasse. Ein Phänomen, dass sich auch ebenbildlich in der Musik wiederfindet: Abstrakte Elektronik, buschige Klangwälle und klinische Aufgeräumtheit versprühen immer noch das Parfüm von nerdiger Hochkultur, von sperriger Avantgarde. Berührungsängste sind da nicht ausgeschlossen.

Ein bisschen Sorgen durfte man sich in den letzten 1-2 Jahren um Mathangi Arulpragasam machen. Zuvor war sie immer eine Künstlerin gewesen, die es verstand, die Darstellung ihrer Persönlichkeit und ihre Musik in harmonischem Einklang zu halten und als untrennbare Einheit vorzuführen, authentisch als Entkommene der Dritten Welt, die einer grauen Masse eine (oft kontrovers diskutierbare) Stimme geben konnte und die über eine Fülle an künstlerischem Talent verfügt, sodass die Leute ihr auch zuhören. Mit dem Erfolg ihres Meisterwerks „Kala“, das sie an Chartsspitzen und auf die Bühnen der Grammy- und Oscar-Verleihung brachte, kamen aber auch die ersten Zweifler und Missgünstigen, die nicht zwingend im Recht waren, auf die M.I.A. aber auch nicht immer souverän reagierte, bis plötzlich die öffentliche Person M.I.A. mehr Raum einnahm als ihre Musik. Was tut sie auf ihrem dritten Album „/\/\/\Y/\“ um gegen zu wirken?

2010 darf jetzt schon als einer der besten Jahrgänge der Urban Music in die Geschichtsbücher eingetragen werden. Erykah Badu, Drake, Janelle Monáe, Flying Lotus und Big Boi haben bereits großartige Alben abgeliefert, The Roots aus Philadelphia setzen dem nun mit ihrem neunten Album „How I Got Over“ die vorläufige Krone auf.

Zerfallserscheinungen sind oft das Ergebnis, wenn ein Bandmitglied einen Soloausflug unternimmt. Nicht nur die Band betreffend, sondern auch die Qualität der Songs, die zuvor vom Zusammenspiel oder kreativen Wettkampf belebt wurden. Bei Big Bois „Sir Luscious Left Foot: The Son Of Chico Dusty“ liegt der Fall aber im doppelten Sinne anders. Zum einen ist die Platte nicht wirklich sein Solodebüt, bestand doch schon das Doppelalbum seiner Band Outkast „Speakerboxx/ The Love Below“ aus einer Scheibe mit den Songs seines Bandkollegen André 3000 und einer mit denen Big Bois. Zum anderen wischt sein neuer Output jeden Gedanken an Zerfallserscheinungen mit einem lässigen Schnipser beiseite.

Wie müssten sich wohl McCartney und Lennon gefühlt haben, hätte es zu Beatles-Zeiten ein alles beobachtendes und analysierendes Internet gegeben? Fanpaparazzo-Bilder bei Monogum, „I hate Yoko“-Facebook-Gruppen, aber vor allem die endlose Diskussion, die sich mit jedem neuen Werk in tausenden Foren aufs Neue entfachte: „Wer ist besser: John oder Paul?“ Mit letzterem Vergleichszwang müssen Dan Boeckner und Spencer Krug seit jeher leben, auch das dritte Album von Wolf Parade wird von vielen in zwei Hälften betrachtet werden.

Auf einmal ist es ganz abrupt zu Ende. Lässt den Hörer allein in einem weiten Raum, der noch ein wenig nachhallt von den vorhergehenden 40 Minuten. „Es“ heißt in diesem Fall „Beast Rest Forth Mouth“ und ist das zweite Album von Bear In Heaven, das ansonsten aber eher auf Überraschungsmomente verzichtet. Im Gegenteil: Hier zählt das große Ganze, nicht ein einzelner Moment oder ein ausgewählter Song. Das wiederum ist erstaunlich, schließlich sind die insgesamt zehn Stücke keine ausufernden Klanggebilde, die eng miteinander verwoben sind, sondern ähneln zumindest von der Länge her eher klassischen Popnummern.

Es war ja durchaus zu befürchten, dass das nimmermüde Kreativtrio von Menomena nach dem 2007er „Friend And Foe“ trotz so mancher wunderbarer zusätzlicher Spielwiese wie Brent Knopfs Ramona Falls oder Danny Seims Lackthereof für „Mines“ jeden Stein so lange umdrehen, Details verschieben und Sounds aufeinander türmen […]

Vergesst den Hype, der bereits Monate vor dem Erscheinen von „Treats“ anhand einiger Demos um das New Yorker Duo Sleigh Bells gemacht wurde. Vergesst die Faktenlage, dass es sich hierbei um ein Projekt des ehemaligen Gitarristen der Post-Hardcore-Band Poison The Well, Derek E. Miller, und Alexis Krauss, Ex-Mitglied der nie aus den Startlöchern gekommenen Teen-Girlband Rubyblue, handelt. Vergesst die Versuche, den Sound der Sleigh Bells in Worte zu fassen oder in irgendeine Referenzliste einzubinden. Und vergesst auch gleich die Bedenken, die aufkommen könnten, die Frage, ob das alles in ein paar Monaten noch genauso heiß ist wie jetzt gerade. Wenn die Sleigh Bells aus den Boxen oder Kopfhörern dröhnen, ist es ohnehin völlig unmöglich einen klaren Gedanken zu fassen. Das Wort „überwältigend“ wird heutzutage leichtsinnig verwendet, in diesem Fall gibt es keinen treffenderen Begriff, wortwörtlich, im Sinne von kinetischer Energie. Diese Songs haben eine derart klangliche Wucht, dass sie in ihren besten Momenten nichts anderes neben sich dudeln und das Hier und Jetzt bis zum Anschlag ausfüllen. Und sie sind vortrefflich geeignet, um sich das Trommelfell raus zu blasen.