Denn das waren nur erste Eindrücke, die allzu leichtfertig durch den Kopf fuhren. Vielmehr gilt: „Random Access Memories“ ist nicht nur handwerklich großartig! Es ist Disco, Funk und Elektro zugleich. Aber irgendetwas ist anders als früher, es ist natürlicher, satter. Für diesen Sound arbeiteten die beiden Daft-Punk-Köpfe Thomas Bangalter und Manuel de Honem-Christo zwei Jahre und nahmen einiges auf sich – Drumcomputer wurden durch Schlagzeug ersetzt und digitale Synthesizer größtenteils durch analoge Instrumente. Aus bis zu 250 Spuren sind die Songs zusammengemischt, oftmals entsteht dadurch der Eindruck von Sampling, ohne dass fremde Soundschnipsel wirklich genutzt wurden.

Nicht nur dadurch entwickeln Songs wie „Touch“ eine einzigartige Magie. Im Zusammenspiel mit der amerikanischen Musikerlegende Paul Williams, der über die Empfänglichkeit göttlicher Eingebungen singt, wird der Track zu einer Hymne. „Touch“ klingt dabei weniger nach einem Song, eher nach einer Collage – die Gesangsparts beginnen genauso überraschend wie sie aufhören und werden von genreüberschreitenden, assoziativen bis experimentellen Elementen abgelöst sowie eingeführt.

„Random Access Memories“ ist zudem vor allem die Symbiose von Musikgenies, welche an diesem Album werkelten wie an der perfekten Zeitmaschine, die in die Vergangenheit, Zukunft und wieder zurück transportiert. Chilly Gonzales, dieser Virtuose am Piano, der uns schon bei seinen Auftritten immer lehrt, dass jeder Song in Moll besser klingt als in Dur – besonders imposant am Beispiel von „Happy Birthday“ – wurde kurzerhand der Spezialauftrag anvertraut, den Tonartwechsel von A-Moll in den ersten drei Songs zu B-Moll für den vierten zu arrangieren. Pharrell Williams sorgt dafür, dass „Get Lucky“ durch die Decke kracht, Gitarrist Paul Jackson Jr. übernimmt direkt zu Beginn die Saitengriffe und liefert den perfekten Groove, wenig später belebt Nile Rodgers den Funk, um Williams eine Bühne zu bieten. Wenn auch noch Panda Bear in dem herausstechenden „Doin‘ It Right“ seine Stimme erhebt oder Strokes-Sänger Julian Casablancas vocodert, bleibt kein Zweifel – diese Crew darf diese Zeitmaschine nicht nur bauen, sie sogar bewohnen.

Viervierteltakt, 120 Beats pro Minute, Clip-Beat, Handclaps – es kann doch so einfach sein, wenn man nur die richtigen Leute hat, Leidenschaft reinsteckt, spürt, wie Musik funktioniert, wenn digitale Exzesse weggelassen werden und man einfach durchzieht, auf was man Lust hat. Auch auf die Gefahr, dass es gerade nicht angesagt ist und nicht jedem gefällt – aber die existiert ja immer. So oder so: Dies ist nicht weniger als der wohl größte Pop-Entwurf des Jahres.

Zum Glück ändert dieser Umstand nichts daran, dass man tolle Musikvideos ebensogut abseits großer und teurer Werbekampagnen finden kann wie gute Musik. Fast schon eine Franko-hispano-Spezialausgabe unserer Videoschau unterstreicht dies mit gerade mal zwei Beiträgen (von Mimi Cave und Vincent Haycock), die auch nur vage aus der Umgebung des bildglamourösen Hollywood kommen. Jubar & Baudry bringen Animation, Maxime Bruneel starke Bilder und Antoine De Bary einen unglaublich französischen Tapeten- und Kleidungsmuster-Clip aus Frankreich. Bernardo Quesneys chilenische Turn-Ungemütlichkeit lohnt in ihrer Fragmentiertheit sicherlich mehrfaches Ansehen, aus Kuba kommt der kunterbunte „Fly“-Trickfilm (oder zumindest die Musik von Danay Suárez) und aus Spanien eine kleine Disco-Hommage an „Dress To Kill“.

Dënver – Revista De Gimnasia

Regie: Bernardo Quesney

As Animals – Ghost Gunfighters

Regie: Maxime Bruneel

Papa Topo – Sangre En Los Zapatos (Mi Amor)

Regie: Anna Díaz & Marc Ferrer

Lou Marco – Don’t Care

Regie: Jubar & Baudry

Raffertie – Build Me Up

Regie: Vincent Haycock

Danay Suárez – Fly

Regie: Yolanda Durán & Ermits Blanco

Thao & The Get Down Stay Down – Holy Roller

Regie: Mimi Cave

Juveniles – Fantasy

Regie: Antoine De Bary

Mit ihrem Auftakt wurden sie direkt in die 100 besten Alben Australiens gewählt. Zu Recht. Man sagt Australiern ja eine gewisse Grundentspanntheit nach, ebenfalls zu Recht, wenn man die Musik von Beaches hört. Auch „She Beats“ klingt manchmal durch hallende Gitarren mit überbordenden Echoeffekten und Wah-Pedalen in Daueraktion nach einem Tag am Strand, nach Salz in den Haaren und jeder Menge Zeit (so auch passend beim Titel „Surf“). Der Gesang von Beaches hat auch beim aktuellen Album etwas Beiläufiges, Lässiges. Es geht nicht um Perfektion, es geht um ein Gefühl. Um ein gutes. Denn das vermittelt auch das aktuelle Album der Australierinnen. Auch dieses Mal klingt es weit mehr nach Jam Session als nach minutiös geplanter Studioarbeit.

Erschienen auf Guy Blackmans Label Chapter Music (Dick Diver, Twerps, The Stevens), hat „She Beats“ die Füße tief im Sand von Australiens Stränden. Im Gegensatz zum Debüt ist es jedoch Liebe auf den zweiten Blick. Zunächst liegt der eine oder andere Song schwer im Ohr, bevor auf den zweiten Hörmoment der Genuss von teilweise psychedelisch anmutenden Arrangements in den Vordergrund tritt. Beaches verlieren sich auf den ersten Eindruck in manchem ihrer Songs einen Tick zuviel. Dabei geben sie direkt zu Beginn mit „Out Of Mind“ ein Versprechen, das das Fanherz jubeln lässt: perfekt ist die Abstimmung zwischen Gesang, sich bekämpfenden blubbernden Gitarren und griffigen Soli. Der Titel bietet schon fast zuviel des Guten. Und ist damit genau das, was man als Freund des Debüts erwartet: Konsequente Weiterentwicklung des Erstlings, ohne zu sehr die dem Hörer vertrauten Pfade zu verlassen. Liest man sich durch Interviews und Pressetexte, betont die Band immer wieder, weit mehr als nur eine Band zu sein. Wobei die Frage erlaubt sein muss, was daran eigentlich schlimm wäre? Vielleicht geht es ja darum, jede Einzelne in ihrer eigenen Musikalität wahrzunehmen – hat doch jede der Damen noch andere Projekte durchaus unterschiedlicher Prägung vorzuweisen.

Dieser Eindruck strömt auch durch das Album. Stücke wie „Distance“ sind unglaublich dicht und komprimieren die Einzelleistungen immer noch weiter auf einen Höhepunkt zu, der erst kurz vor Ende das amorphe Gebilde impulsiv beendet. Dennoch geht es teilweise in mäandernde Spielfreuden, denen man als Zuhörer nicht immer zu folgen vermag. Dies mag der Tatsache geschuldet sein, dass hier eben Menschen zusammen spielen, die sich auswendig kennen. Und dabei vergessen – oder es aber für nebensächlich empfinden – den Hörer auf ihre Reise mitzunehmen. Bieten „Dune“ und „Send Them Away“ in ihrer Fröhlichkeit das, was man als Freund des Erstlings so schätzte, so verbuddeln sich Songs wie „Granite Snake“ zunächst in den australischen Sand. An ihnen muss man sich ein wenig abarbeiten, um sie dann mit jedem Hören besser zu finden. Wollte man sich schon fast schmollend in die Ecke verziehen, so entdeckt man mehr und mehr die Finessen, die unter der Oberfläche warten. Wer weiß, wie lang die Spieldauer von „She Beats“ geworden wäre, wenn es keine Grenzen gegeben hätte. Die Spielfreude der Mädels aus Melbourne ist ungebrochen, die Freude, ihnen zuzuhören, nach einer Aufwärmphase auch.

Letztes Jahr schafften es Letztgenannte aus dem Stand – auch wenn ich zugeben muss, dass es bei mir etwas gedauert hat mit der Begeisterung – mit ihrem Debüt in die Jahresbestenliste, auch 2013 begann schon recht vielversprechend mit der Veröffentlichung von Prurients „Through The Window“. An dieser Stelle muss auch auf den sehr empfehlenswerten Download-Sampler „After The Affair: Selected Blackest Ever Black“ hingewiesen werden, der einen sehr guten Überblick über das musikalische Spektrum des Labels gibt.

Nun legen die beiden Produzenten Marc Dall und Alex Ander alias Dalhous mit „An Ambassador For Laing“ ihr Debütalbum vor. Wo Raime noch den klaustrophobischen, anthropophoben Resten paranoischer Bewusstseinszustände nachgeforscht und uns mit Schaben, Kratzen und abgründigen Hallräumen wieder das urbane Grauen der schlecht beleuchteten Seitenstraßen und düsteren Gassen gelehrt haben, entwickeln Dalhous aus einem ähnlichen Schauplatz einen fahlweiß leuchtenden, Jetlag-befeuerten Neontrip durch die endlosen, ausgestorbenen Industriewüsten an der Peripherie namenloser westlicher Metropolen. Sie machen Musik für das, was Sozialwissenschaftler “Transiträume” oder “Nichträume” nennen, immer irgendwie dazwischen. Musik für den Übergang, einen Wechsel, nicht zum Aufenthalt, Musik, die auch geistig zum Driften, Sich-treiben-Lassen, innerlichen Nachspüren einlädt und auffordert. Man kann sich diese Kopfhörermusik für urbane Zweifler hervorragend in nächtlich menschenleeren, grell ausgeleuchteten Flughäfen, postmodernen Bahnhofskomplexen oder ausgestorbenen Einkaufspassagen vorstellen. Dort würde sie geisterhaft aus dem Nichts erklingen, um im ihr angemessenen Ambiente ihre volle kathedrale Größe und Erhabenheit zu erreichen, in die sich stetig ein sublimes Gefühl von Verlorenheit einschreibt.

Um das zu erreichen, agieren Dalhous an den Grenzen von Ambient und Downbeat. Manches wirkt unvollendet, vor Erreichen des Höhepunkts einfach ausgeblendet, musikalische Fragmente werden prozesshaft im Übergang skizziert. Die menschliche Stimme ist nicht mehr als ein archäologisches Artefakt. So sie denn ins Spiel kommt, ist sie ein Zeichen, dessen eindeutige Dechiffrierung sich entzieht, ein Ächzen im Äther, undefinierbares Schlingern. Um noch einmal den Vergleich zu bemühen: Da, wo Raime schwärzestes Schwarz sind, sind Dalhous beschattetes Weiß, aber auch zu viel Weiß kann verstörend sein.

Was allerdings die größte Leistung von „An Ambassador For Laing“ ist: Bei aller intendierten Leere und In-die-Welt-Geworfenheit dominiert in der Musik meist ein weicher, zugänglicher und nahezu lichtern-anschmiegsamer Anteil, er bietet sich dem Hörer unabhängig von der individuellen Verfasstheit als ständiger Begleiter an. Mehr “Universalität” kann man von dieser Art Musik kaum erwarten.

Teilweise, beispielsweise beim titelgebenden „Impersonator“ oder das Piano bei “Bugs Don’t Buzz“, wirkt dieses Album wie der Auftritt eines Performancekünstlers und unterwirft sich damit nicht den klassischen Regeln unserer Hörgewohnheiten, die nach Drums, Beat und Struktur verlangen. Und genau das macht es so spannend. „Impersonator“ ist definitiv ein Album, das sich schwerlich in Einzelteile zerlegen lässt. Es ist ein Konzept. Aber hat dieses auch die Stärke, die das Debüt des Weggefährten Doldrums aufwies?

Denn natürlich müssen sich Devon Welsh und Matthew Otto diesen Vergleich gefallen lassen. Zu wuchtig war die positive Reaktion von Publikum und Presse auf den Erstling des jungen Genies aus Kanada. Und ja: „Impersonator“ ist unglaublich stark, zum Geniestreich fehlen dann jedoch jene zu Tode betrübenden und in den Himmel hebenden Finessen, die der Labelkollege beinahe beiläufig aus dem Ärmel zu schütteln scheint. Der Spannungsbogen kann über die Länge des Albums nicht immer gehalten werden – dennoch: Brillanz gibt es an vielen Ecken und vor allem die zweite Hälfte überzeugt mit Momenten, in denen Majical Cloudz weit näher an LCD Soundsystem sind denn an Doldrums oder Grimes.

Zum Einstieg folgt „This Is Magic“ nahtlos auf „Impersonator“ und wirkt wie dessen Zwilling. Blickt man nicht auf die Anzeige des Abspielgerätes, bemerkt man den Übergang nicht. Mit „Childhood´s End“ gesellen sich Synthies zur einprägsamen, hypnotischen Stimme Welshs, der es Hörern mit sehr klarem Englisch einfach macht, seinen Texten zu folgen. Genau darum scheint es ihm auch zu gehen: Die Texte stehen im Mittelpunkt des Geschehens. Um sie herum wird der Rest teilweise scheinbar schlicht gruppiert, was gelegentlich Längen erzeugt, die zu Abzügen in der B-Note führen. Majical Cloudz wecken den Wunsch, sie einmal live zu erleben, denn ihr Charisma schimmert aus jeder Ritze. Was wir hier hören, ist pure Lyrik.

Dementsprechend drehen sich die Texte auch um die zentralen Themen des Lebens: Beziehungen, Verlangen, die eigene Fehlbarkeit und Sehnsucht. Welsh wirkt wie ein Prophet, der vor die Menschen tritt, um ihnen von seiner Sicht der Dinge zu erzählen. Dieses Bild unterstützen Choräle und flimmernde Elektrosphären wie in „I Do Sing For You“. Genau nach diesem Song hat man allmählich genug von Lyrik, doch hier liegt die Kunst von „Impersonator“: Als hätten sie es gespürt, richten Majical Cloudz mit „Mister“ ihre Vehemenz, ihre Musikalität auf. Welsh singt, Dynamik rückt in den Vordergrund. Das Album ist geprägt von der Spielfreude zwischen Loops, Synthieversatzstücken und Samples in vielen Schattierungen. Um Welsh herum atmen die Echos anderer und seiner Lebenserfahrungen.

„Turns Turns Turns“ wirkt wie ein nächtlicher Spaziergang durch eine leere Stadt, in Reflektion auf den vergangenen, vielleicht eher regnerischen Tag. Hier sind Majical Cloudz doch wieder recht nahe bei Doldrums: Sie lassen Raum, überlassen es dem Hörer, was er aus ihrem Angebot macht. Denn das ist es, was mit diesem fragmenthaften, puzzleähnlichen Aufbau erzeugt wird: Der Wunsch, es für sich zusammen zu setzen. Majical Cloudz (warum eigentlich immer diese Schreibweisen!?) machen es dem Hörer nicht leicht, zeigen sich über lange Strecken kryptisch und fast ein wenig autistisch – und wecken Interesse, umso mehr, wenn das Album sich wie ein Buch entwickelt. „Impersonator“ wirkt geerdet, ohne einen Moment zu riskieren, auf “sicher” zu gehen und gefallen zu wollen. Vielleicht schließen wir einfach mit den Worten der Band über „Bugs Don’t Buzz“: „I’ve been so sad and this song has been around – and I´ve been so happy and this song has been around.“ Ambivalenz – im besten Sinne.

The National versorgen die Menschheit nun seit über einem Jahrzehnt mit melancholischen Geschichten von scheiternder Liebe, schrecklicher Liebe, vergänglicher Liebe, der Sehnsucht nach Liebe und (eher selten) schöner Liebe. Damit kann man freilich sein Problem haben, denn nicht Jedermann steht auf derlei Geplänkel, romantisch-verklärten Kitsch muss man allerdings auch nicht befürchten. Mit äußerster Finesse komponierten Matt Berninger und Co. in jüngster Vergangenheit eine Reihe erstklassiger Indierock-Platten, die stets die Balance zwischen verletzlicher Emotionalität und sakrosankter Abgeklärtheit hielten und mit „Fake Empire“ und „Lemonworld“ nebenbei die größtmöglichen Hymnen beinhalteten.

Für viele bildet das 2007er-Album „Boxer“ den bisherigen Höhepunkt im Schaffen von The National. Mit „High Violet“ gingen sie den Weg konsequent weiter, verfeinerten ihren Sound jedoch nur noch in Nuancen. Irgendwann war klar, dass es keine weitere Platte im etablierten, elaboriert-elegischen Stil geben würde. Für ihr neues Album „Trouble Will Find Me“ holten sich die fünf New Yorker daher tatkräftige Unterstützung von Sufjan Stevens, St. Vincent, Sharon Van Etten und einigen weiteren, die ihre Indierock-Meriten bereits verdient haben. In der Folge entstand das luftigste, abwechslungsreichste und weitsichtigste Album der Band, ohne jedoch den eigenen Sound zu verwässern.

Die Platte beginnt mit dem verhaltenen „I Should Live In Salt“, einer von Akustikgitarren getragenen Nummer, in der Berninger verzweifelte Sentenzen murmelt und dabei klingt, wie es ein Matt Berninger im Eröffnungsstück einer The-National-Platte eben so macht. Die Vorabsingle „Sea Of Love“ geriert sich hingegen als großmütiger Quasi-Titelsong, wenn es doch heißt: „If I stay here, trouble will find me.“ The National meißeln hier ihr Statement gegen den Stillstand in Stein, besonders schön ist in diesem Kontext übrigens das druckvolle Schlagzeugspiel von Hobby-Neurotiker Bryan Devendorf.

„This Is The Last Time“ klingt für National-Verhältnisse dann schon regelrecht optimistisch, was ein ziemlicher Glücksfall für „Trouble Will Find Me“ ist – wird doch unmissverständlich klar, dass hier eine Band über ihren Tellerrand hinausblickt, sich für neue Strömungen öffnet und trotzdem immer noch charakterstark und eigenwillig klingt. Gleiches gilt für das melodische „Graceless“, einer weiteren erstklassigen Hymne der New Yorker, mit der man sich als liebeskummergeplagter Yuppie unter die Bettdecke flüchten kann, um ein paar große Löffel von der überteuerten Eiskrem zu verdrücken. Wohlfühl-Emo? Meinetwegen.

Im traumhaft vor sich hin torkelnden „I Need My Girl“ geht es logischerweise um die Sehnsucht nach diesem einen Mädchen, das einem mächtig den Kopf verdreht hat. Darüber hinaus bringt es all die Trademarks im National-Sound ein weiteres Mal verdichtet auf den Punkt: Berningers elegische Stimme, dunkel-funkelnde Gitarren und die präzise Rhythmusgruppe buhlen um die Vorherrschaft und treiben sich dabei gegenseitig zu Höchstleistungen. „Trouble Will Find Me“ hält viele solcher Aha-Momente parat. Es ist vielleicht nicht die beste Platte von The National, aber eine weitere, mit der man Schmerz, Trauer und Zweifel in positive Gedanken transkribieren kann. In dieser Disziplin bleiben sie unerreicht.